Walk on the white Side
Pierre Padovani (extrait)

Eric Bourret est un marcheur-wanderer, le reste en découle, sa pratique artistique en premier lieu. La marche est comme un moteur à révolution, une « réxistance » qui pousse à éliminer le superflu, à être plus léger. Pour prendre ce large, mieux vaut renoncer à son baluchon d’icônes, dont la première est l’autosuffisance, l’orgueil sans objet. L’humilité ramène à l’humus et les pieds ni ne mentent ni ne portent de couronnes. Le bon marcheur va son train sans interroger à chaque pas ses semelles. Etre libre ne signifie rien d’autre que pouvoir circuler à son gré.

Bourret réalise l’œuvre sur le lieu de l’œuvre, à sa rencontre. En marchant, il convoque Chronos et Kairos, le temps chronologique, celui de l’expérience, et l’autre, le temps propice, opportun et ressenti. On ne peut marcher qu’au présent, pas au futur. Il habite son art comme le marcheur habite le paysage. Pour lui, comme pour Segalen ou Thoreau, le chemin est une mémoire incisée à même la terre et la trace des pas une sorte de solidarité temporelle nouée dans le paysage. La marche est préliminaires à la photographie tandis que l’image s’assume comme mémoire du chemin. L’arpentement transforme la substance du corps en traces matérielles d’images. Toute marche est photographique, antérieure dans l’imaginaire et ultérieure à son expérience ; la photographier est donc une échappatoire au temps puisqu’elle la fait revivre. Entre le cheminement et l’expérience spéculative de l’artiste, la route est une invitation à la création et la création est elle-même un parcours. Dans Petite bibliothèque du marcheur, et en s’appuyant sur « la métaphore du frottement » chez Platon, Frédéric Gros développe magnifiquement l’idée que philosopher c’est faire vivre en soi le paysage du questionnement. Une marche porte un nom, ce nom évoque des lieux, ces lieux une topographie et une géographie ; le tout, par frottement, fait des souvenirs et des images de cette science du paysage....

… Le monde analogique de Bourret est fait de formes hybrides où la nature est traitée comme un cryptogramme sur lequel les empreintes sensibles de l’artiste épousent leur grille à la découverte du paysage. La photographie devient un sismographe qui enregistre les pulsions de la nature. L’artiste reste dans un contact direct avec elle en se plaçant devant elle pour photographier. Il ne s’agit pas pour lui de prendre la représentation de cette nature pour fin mais requérir d’elle des sensations. Cézanne voulait faire « du Poussin sur le motif », Richard Long réalise ses sculptures en marchant, Bourret, lui, photographie le lieu de l’œuvre et s’arrête, là où d’autres commenceraient.

… Face à ces images all over dévoreuses d’espace, on pressent leur naissance dans l’étendue et non dans l’idée d’un quelconque remplissage. Elles ont en commun une muralité picturale affirmée, une apparence crouteuse sculpturale, une matérialité photographiée comme un écheveau clair sur sombre et inversement, un rapport fond et forme antagoniste. Il émerge de ces œuvres kaléidoscopiques des formes mono ou pluricellulaires souples flottant à la surface de l’image, des biomorphes, des pictogrammes qui évoqueraient des alphabets inconnus, du pré-historique, des tracés balafrés, des arabesques tourbillonnantes, des torrents de coulures, des épandages et des égouttages turbulents, des agglomérations ainsi que des éléments de brouillage issus d’un pandémonium terrestre. L’univers formel de Bourret fait cohabiter Pollock ou de Kooning, bien sûr, mais aussi Mark Tobey, il convoque à la fois les Texturologies de Jean Dubuffet, les Delocazioni de Claudio Parmiggiani ou les Cosmogonies d’Yves Klein. Comme l’indique l’artiste, « ce n’est plus l’objet mais bien sa disparition, sa trace en même temps que sa radiographie »....